コード進行はピアノなら7つの和音で足りる｜緊張と安定が決める並び方の正体

ピアノの前に座って、コードネームだけが並んだ譜面を見ながら手が止まる。Cは押さえられる、Fも押さえられる。それなのに順番に鳴らすと、どうしても曲に聞こえない——コード進行でつまずく人の多くは、コードの押さえ方ではなく「なぜその順番なのか」を知らないまま先へ進んでいます。

結論から書きます。コード進行とは、キー（調）の中にある7つの和音を並べ替える作業です。そして並べ方には理屈があります。和音には「安定」「出発」「緊張」という3つの役割があり、緊張した和音は安定した和音に戻りたがる。この引力をつかむと、初めて見る曲でも次に来る和音がある程度は予測できるようになります。丸暗記の対象が数百通りから、たった3つの役割に減るということです。

この記事では、7つの和音という土台から始めて、ピアノで実際に音を出すときの左右の分担、J-POPで最頻出の王道進行、17世紀生まれのカノン進行、そしてその外側へ一歩出るセカンダリードミナントまでを、出典を示しながら順番に解説します。譜面が読めなくても、鍵盤の上で何が起きているかが説明できる状態を目指します。

コード進行とは、キーの中にある7つの和音を並べ替える作業です

材料は7つだけ。まずここで安心してほしい

コード進行の材料は、思っているよりずっと少数です。キーの主音を出発点としたスケールから作られる和音を「ダイアトニックコード」と呼び、これはスケールの各音をそれぞれ根音（ルート）とする7つのコードを指します（UtaTen「ダイアトニックコード」）。つまり、1つのキーの中で日常的に登場する和音は7種類しかありません。

なぜこれが重要かというと、初心者が抱く「コードは何百種類もあって覚えきれない」という感覚が、事実と食い違っているからです。コードネームの表記そのものは確かに膨大ですが、ある1曲の中で実際に使われる和音は、多くの場合この7つとその少しの寄り道で説明がつきます。

ハ長調（キー＝C）で並べると、C・Dm・Em・F・G・Am・Bm(♭5) の7つになります。白鍵だけで組み立てられるので、鍵盤を見ながら確認しやすいキーです。楽譜にA♭やD♯といった見慣れない記号が出てきたら、それは「7つの外側」にあたる特別な和音で、後半のセカンダリードミナントの章で扱う話につながります。

最初のうちは、譜面のコードネームを見て「これは7つの中にあるか、外にあるか」だけを仕分けてみてください。この仕分けができるだけで、曲の中で何が起きているかの見通しが一気に良くなります。

3度ずつ積み上げる、という1つのルールで和音はできている

7つの和音は、気分で決められたわけではありません。ダイアトニックコードは、スケールの音を3度音程で重ねたコードです（UtaTen）。ドを出発点にするなら、ド・ミ・ソと1つ飛ばしで積む。レから始めればレ・ファ・ラ。この「1つ飛ばしで3つ積む」という操作を7つの音すべてで繰り返すと、7つの和音が自動的に出そろいます。

この仕組みを知っていると、和音の性質まで説明がつきます。同じ「1つ飛ばし」でも、スケールの中で全音と半音がどこに来るかによって、積み上がった和音が明るく響いたり暗く響いたりする。ハ長調でC・F・Gが明るく、Dm・Em・Amが暗いのは、作曲家の趣味ではなく音程の配置の結果です。

ピアノでの確認は簡単です。白鍵だけを使い、右手の1・3・5の指で1つ飛ばしに3音つかむ。その形のまま白鍵を1つずつ上へずらしていくと、7つの和音を順番に鳴らせます。手の形はほぼ変えずに、鳴る響きだけが明るい・暗いと入れ替わっていくのが聞き取れるはずです。

ここでの注意点は、鍵盤を見て音を探さないことです。3度ずつ積む形を指の感覚として覚えてしまうほうが、後で転調したときに応用が効きます。

7つの中だけで並べると、なぜ自然に聞こえるのか

ダイアトニックコードだけを並べると、自然なコード進行が簡単に作れます。理由は単純で、使っている音がすべて同じスケールの中に収まっているからです。曲の途中で「この音、外れてる？」と感じる瞬間は、たいていスケール外の音が鳴ったときに起こります。7つの中だけで組んでいる限り、その違和感は原理的に発生しません。

言い換えると、7つの中で並べる限り「間違った進行」は存在しない、ということです。良い・悪いではなく、どんな印象になるかの違いしかない。コード進行の学習でいちばん最初につまずくのが「どれを選べば正解なのか分からない」という迷いですが、正解が1つに決まっていないのが前提だと分かれば、手を動かしやすくなります。

独学でよくある失敗は、コード進行のパターン集を先に暗記してしまうことです。パターンは結果であって理由ではないので、覚えた進行から1音でもずれると対応できなくなる。実際、譜面のコードが自分の覚えたパターンと違うだけで「知らない進行だ」と感じてしまう人は少なくありません。

先に押さえるべきは、次の章で扱う「和音の役割」です。役割さえ分かっていれば、パターン集に載っていない並びが出てきても、その場で意味を読み取れます。

ローマ数字で覚えると、キーが変わっても使い回せる

コード進行の解説で「I→IV→V→I」のようにローマ数字が使われるのは、キーに依存しない書き方をするためです。ダイアトニックコードの基本パターンはI（トニック）→IV（サブドミナント）→V（ドミナント）→Iとされており、この表記なら、ハ長調でもト長調でも同じ記号で説明できます。

ハ長調ならI＝C、IV＝F、V＝G。ト長調ならI＝G、IV＝C、V＝D。コードネームは総入れ替えになりますが、進行の中身はまったく同じです。逆に言えば、コードネームだけで覚えている人は、キーが変わるたびに一から覚え直すことになります。

ここでつまずきやすいのは、大文字と小文字・mの有無です。ハ長調のIIIはEmであってEではありません。ローマ数字は「何番目の和音か」を示しているだけなので、明るいか暗いかは前述の3度積みの結果として決まります。IIm・IIIm・VImの3つがマイナーになる、と最初に覚えてしまうのが近道です。

練習としては、自分が弾いている曲のコードネームを、上からローマ数字に書き換えてみてください。キーさえ分かれば機械的に変換できます。並びが見えた瞬間に「これ、あの曲と同じ進行だ」と気づくことが増えます。

和音には3つの役割がある｜安定・出発・緊張で並び順が決まる

トニックは安定していて、どこへでも行けてどこからでも戻れる

7つの和音は、大きく3つの役割に分類できます。トニック（I）・サブドミナント（IV）・ドミナント（V）で、この主要三和音は音楽理論の最も基本的な概念とされています（リットーミュージック plugplus）。

トニックはスケールの最初の音（主音）を根音に持つ和音で、安定感があり、他の和音と比べてどんなコードへ行くことも、また戻ってくることも容易だと説明されています。曲の始まりと終わりにIが置かれることが多いのは、この性質のためです。物語でいえば「家」にあたります。

ピアノで確かめるなら、ハ長調でCを鳴らしてそのまま手を止めてみてください。宙ぶらりんな感じがせず、そこで曲が終わっても不自然ではない。次にAmで止めてみると、終われなくはないけれど少し影が残る。この「止まれる度合い」の差が、役割の違いそのものです。

注意したいのは、トニックが安定しているぶん、Iを続けすぎると曲が動かなくなる点です。安定は終着点としては強い反面、途中で多用すると停滞して聞こえます。

サブドミナントは「家から一歩出た」やや不安定な穏やかさ

サブドミナント（IV）は、やや不安定でありながら穏やかなイメージを持ち、家から出発したような物語感を生む和音と説明されます。トニックほど落ち着いてはいないが、次で緊張するドミナントほど張り詰めてもいない。ちょうど中間の位置づけです。

この「中間」という性質が、実際の曲づくりでは扱いやすさにつながります。Iから動き出す最初の一歩としても自然ですし、Vへ橋渡しする経由地としても機能する。I→IV→V→Iという基本形が広く使われているのは、安定→出発→緊張→安定という感情の起伏がきれいに一往復するからです。

鍵盤で試すなら、C→Fと弾いて止めてみてください。景色が少し開ける感じはあるものの、戻りたい気持ちはそれほど強くない。ここが次のドミナントとの決定的な違いです。

意外と知られていませんが、サビの入り口がIVから始まる曲が多いのは、この「出発感」の効果です。頭をIにしないだけで、そこから何かが始まる印象になります。

ドミナントは最も不安定で、トニックに戻りたい欲求を生む

ドミナントはスケールの5番目の音を根音とする属和音で、トニックに進みやすい性質を持ちます。3つの機能の中では最も不安定で強い緊張感があり、この緊張感が「安定したトニックに戻りたい」という強い欲求を生み出す、と解説されています（リットーミュージック plugplus）。

V→Iへ進む動きはドミナントモーションと呼ばれ、音楽に力強さをもたらします。コード進行の理屈の中で、ここが最大の要です。なぜなら「戻りたがる」という引力は、聞き手にとって予測を生む装置だからです。予測があるから、それを裏切ったときに意外性が生まれる。

ピアノで体感するなら、Gを鳴らして手を止めてみてください。宙に浮いたまま置き去りにされたような感じになるはずです。そこからCに進むと、ようやく着地する。この落差が、曲の区切りを作っています。

つまずきやすいのは、Vで止まる箇所を「間違えた」と勘違いしてしまうことです。Aメロの終わりがVで浮いたまま次へ渡す作りは珍しくありません。不安定さは欠陥ではなく、次を呼び込むための仕掛けです。

パターンを覚える前に、役割を覚えたほうが早い

ここが、この記事でいちばん伝えたい逆張りの視点です。コード進行の学習といえば有名なパターンを暗記することだと思われがちですが、実は順序が逆で、3つの役割を先に入れたほうが到達が早くなります。理由は、パターンは役割の組み合わせの一例にすぎないからです。

役割が分かっていれば、知らない進行に出会っても「ここは緊張してるから次は安定に戻るな」と読める。逆にパターンだけを覚えている人は、覚えた並びから外れた瞬間に手掛かりを失います。譜面に見慣れないコードが1つ混ざっただけで止まってしまうのは、この状態です。

具体的な取り組み方としては、弾いている曲のコードを役割の記号（T・SD・D）に置き換えて書き出してみてください。ハ長調ならC・Am＝T系、F・Dm＝SD系、G＝Dという具合に、7つの和音を3つのグループに振り分けます。

この作業を数曲分やると、曲が違っても似た並びが繰り返されていることに気づきます。そこまで来れば、パターン集は覚えるものではなく、確認するための資料に変わります。

ピアノで弾くなら左手はルート1音から｜右手との分担で決まる

左手は根音、右手はメロディと和音、という基本配置

ピアノでコード進行を鳴らすときの基本は、左手で伴奏（コード）、右手でメロディという配置です。そして左手はコードの根音（ルート）から始めるのが定石とされています（Sound & Recording「かんたんコード」）。

なぜ左手を根音1音に絞るのかというと、低音域で和音を丸ごと鳴らすと響きが濁るからです。ピアノの低い音域は倍音が密集しているため、3つも4つも重ねると輪郭が失われます。ルート1音なら濁りようがありません。

独学の初期に多い失敗が、両手ともコードを押さえようとして音が団子になるパターンです。左手でC・E・Gを低い位置で鳴らし、右手でも同じ和音を押さえると、何のコードか判別しづらい重たい響きになります。これは腕や指の問題ではなく、配置の問題です。

まずは左手をルート1音に固定し、右手だけで和音を鳴らしてみてください。それだけで、曲らしい輪郭がはっきり出ます。

3ステップで組み立てる、最初の練習の順番

練習の順番には推奨があります。まず右手和音＋左手ルートという形から入り、次に4分音符で刻む「4つ打ち」や8分音符で刻む「8ビート」など、曲調に合わせてリズムを変えていく流れです。同じコード進行でも、リズムを変えるだけで違う表情を見せます。

この順番が理にかなっているのは、変数を1つずつ増やしているからです。最初から「和音を押さえながらリズムも変えてメロディも弾く」となると、処理する要素が多すぎて、どこでつまずいたのか自分で分からなくなります。

キー選びも同様で、黒鍵を多用しないキーから練習を始めるのがすすめられています。ハ長調で手の動きを覚えてしまえば、後から黒鍵の多いキーへ移るときも、動きの形そのものは使い回せます。

最初は7個の基本コードだけで十分です。コードを覚えると1曲丸ごとがぐっと簡単になる、というのがこの練習法の狙いで、少数の道具で曲全体をカバーできるようになるのがゴールです。

同じ進行がリズムひとつで別の曲に聞こえる

コード進行そのものは変えていないのに印象が変わる、という現象は、伴奏のリズムで起こります。同じコード進行でも、4つ打ちと8ビートでは別物の表情になります。ここを知らないと「コード進行がつまらないせいだ」と原因を取り違えます。

仕組みとしては、和音がどの拍で切り替わり、どの拍で鳴り続けるかによって、曲の推進力が決まるためです。全音符で伸ばせば穏やかに、8分音符で細かく刻めば前へ進む感じが強くなる。和音の選び方は同じでも、時間の刻み方が違えばジャンルすら変わって聞こえます。

試しやすいのは、I→IV→V→Iの4つを、1小節ずつ全音符で伸ばす版と、4つ打ちで刻む版の2通りで弾き比べることです。伸ばすとバラード寄り、刻むとポップス寄りに寄っていくのが分かります。

コツは、リズムを変えるときにコードを増やさないことです。手を加える箇所を1つに絞れば、変化の原因がはっきりします。

J-POPで最頻出のIV→V→IIIm→VIm｜トニックを外すと浮く理由

4536と呼ばれる並びの中身

ポピュラー音楽で圧倒的に使用頻度が高いのが、IV-V-IIIm-VIm という並びです。「王道進行」あるいは数字を取って「4536」と呼ばれ、数多くのJ-POPヒット曲で使われています（ONLIVE STUDIO）。

ハ長調に当てはめると、F→G→Em→Am。前半のF→Gは、前章で見たサブドミナント→ドミナントの流れそのものです。つまり「出発して緊張する」ところまでは基本形と同じ。違うのはその後で、緊張したGがCに着地せず、EmとAmへ流れていきます。

この並びが使いやすいのは、4つのコードで1つの起伏が完結し、そのままループできるからです。4つ弾いて頭に戻ると、切れ目なく続く。サビ全体をこの4つの繰り返しだけで作ってしまう曲も珍しくありません。

ピアノで練習するなら、まずは左手ルートをF→G→E→Aと動かすだけで十分です。右手は各コードの3音をそのまま押さえ、指の移動が最小になる形を探してください。

なぜ切なく、浮いたように聞こえるのか

王道進行の特徴は、トニック（I）から外すことで昇華感や浮遊感を生み出す点にあります。ハ長調なら、Cが一度も出てこない。家に帰らないまま4つのコードが回り続けるので、着地しない浮遊感が残ります。

理屈としては、前章のドミナントの性質が効いています。Gは「Cに戻りたい」という強い欲求を持っているのに、その期待を裏切ってEmへ進む。この肩透かしが、明るいとも暗いとも言い切れない独特の感情を生みます。切なく聞こえるのは、解決しかけて解決しないからです。

加えて、最後のVIm（Am）がマイナーコードであることも効いています。ループの終点が暗い響きになるため、もう一度頭のFへ戻ったときに明るさが差し込む。この明暗の往復が、繰り返し聞いても飽きにくい理由のひとつです。

注意点として、この進行を延々と回すと曲全体が着地しなくなります。どこかでIに帰る区間を作ると、対比で王道進行の浮遊感がより効きます。

ピアノで弾くときは、左手の動きを整理してから

王道進行をピアノで弾くときにつまずくのは、右手の和音が跳ねてしまうケースです。F・G・Em・Amをそれぞれ基本形（根音を一番下に置く形）で押さえると、手が鍵盤の上を大きく移動し、拍が遅れます。

解決策は、右手の和音の配置を組み替えて、共通する音を動かさないようにすることです。たとえばFとAmはラとドを共有しています。共有音を押さえたまま、変わる音だけを動かせば、手の移動距離が小さくなります。指の速さではなく移動距離の問題なので、配置を変えるだけで弾きやすさが変わります。

左手は、まずルート1音でF→G→E→Aと動かすところから。慣れたら、ルートの後に5度の音を足して2音にすると、伴奏に厚みが出ます。

仕上がりの見極めは、右手を見ずに4つのコードをループできるかどうかです。目で鍵盤を追わなくても回せるようになったら、メロディを乗せる段階に進んで問題ありません。

J-POPで多い進行を見たあとは、主和音が鳴らない丸さコードという具体例も弾いてみると面白いです。

17世紀の8小節が、今も鳴り続けている理由

I→V→VI→III→IV→I→IV→V という8小節の骨組み

もう1つの定番が「カノン進行」です。I → V → VI → III → IV → I → IV → V という8小節の並びで、17世紀の作曲家パッヘルベルの『カノン』がその名の由来とされています（弾き語リストラボ）。

王道進行が4つで一巡するのに対し、カノン進行は8小節と長いのが構造上の違いです。この長さが効いていて、途中で一度Iに帰ってから、またIVとVで持ち上げて終わる。起伏が二段構えになるため、じっくり聞かせる曲に向きます。

ハ長調に置き換えると、C→G→Am→Em→F→C→F→G。VIとIIIはダイアトニック上ではマイナーコードになるので、AmとEmです。Cが2回登場する点が、王道進行との大きな違いになります。

ピアノで練習するときは、8小節を前半4つと後半4つに割って覚えてください。一度に8つ覚えようとすると途中で迷子になります。

下降するベースラインが、心地よさの正体

カノン進行が穏やかに聞こえる理由は、下降するベースラインにあります。各コードの根音を順に並べると、ド・ソ・ラ・ミ・ファ・ド・ファ・ソ。前半は高い音から低い音へ段階的に降りていく形です。

この下降が心地よく感じられるのは、各コードがトニックへ向かう重力を持ちながら、少しずつ位置を下げていくからです。急に飛ばず、隣か近い音へ移っていくので、聞き手は次の音を無意識に予測できる。予測が当たり続けることが、安心感につながります。

ピアノで弾くときは、左手のこの下降をはっきり聞かせるのがコツです。右手の和音を強く鳴らしすぎると、ベースの動きが埋もれて、ただコードが並んでいるだけに聞こえます。左手をやや強めに、右手を控えめに。この配分だけで、カノン進行らしさが出ます。

うまくいっているかの確認方法は、左手だけを弾いて旋律のように聞こえるかどうかです。ベース単体で歌になっていれば、右手を足したときにも骨格が残ります。

クラシックからアニメ主題歌まで、同じ骨組みが使われている

カノン進行がポピュラー音楽で広く使われるようになった発端と言われているのが、イングランドのロックバンド、プロコル・ハルムのデビュー曲「青い影」（1967年）です。そして近年では、鬼滅の刃の「竈門炭治郎のうた」にもカノン進行が使われていると解説されています（弾き語リストラボ）。

17世紀の器楽曲と、ロックと、アニメ主題歌。ジャンルも時代もばらばらなのに、骨組みが同じという事実は、コード進行というものの性質をよく表しています。進行そのものはジャンルを持たず、リズム・音色・メロディが上に乗ることでジャンルが決まる、ということです。

ここから導けるのは、コード進行の学習は特定ジャンルの専門知識ではない、という点です。クラシックを弾く人がポップスの進行を学んでも無駄にならないし、その逆も同じです。

ひとつ注意点を挙げるなら、既存曲と同じ進行を使うこと自体は問題ありませんが、メロディをそのまま借りるのは別の話になります。進行は骨組み、メロディは作品、と分けて考えてください。

セブンスを1つ足すだけで景色が変わる｜7つの外側への一歩

セカンダリードミナントは「別の和音への引力」を作る道具

7つの中だけで組むと自然になる一方、変化が乏しくなることもあります。そこで登場するのが「セカンダリードミナント」です。V→Iというドミナントモーションを、ダイアトニックコードに対して行えるようにしたコードを指します（UtaTen「セカンダリードミナント」）。

仕組みは応用です。前章で見たとおり、ドミナントは「トニックに戻りたい」という強い欲求を生みます。この引力はIに対してだけのものではなく、原理としてはどの和音にも作り出せる。行き先の和音を一時的に「仮のI」と見なし、その手前に引力を持った和音を置く、というのが発想の中身です。

効果としては、ジャズ感・浮遊感・アクセント・緊迫感が挙げられています。ダイアトニックコードにはない微妙なニュアンスを演出できる、というのがこの技法の位置づけです。

ピアノで確かめるなら、C→Am とそのまま進む版と、Cのあとに引力を持つ和音をはさむ版を弾き比べると差がはっきりします。後者のほうが、Amへ吸い込まれるように進むのが分かります。

作り方は「行きたい先を仮のIと見なす」だけ

作り方はシンプルで、解決先のコードをセブンスコードとの関係に組み替えることで成立します。V→Iという関係をそのまま移植するので、置く和音は目標の5度上（4度下）の音を根音に持つセブンスコードになります。

ハ長調でAmへ向かいたい場合、Amを仮のIと見なすと、その5度上はミ。つまりEを根音とするセブンスコードを手前に置くことになります。ここでソに♯が付くため、7つの外側の音が1つだけ入る。この「外側の音が1つ混ざる」感覚が、耳に引っかかりを作ります。

独学でつまずきやすいのは、どの和音の前にでも置けると誤解して、行き先を決めずに使ってしまうことです。セカンダリードミナントは「次にどこへ行くか」とセットの道具なので、行き先が決まっていなければ機能しません。

まずは自分がよく弾く進行の中から、マイナーコード（IIm・IIIm・VIm）へ向かう箇所を1つ選び、その手前だけで試してみてください。1曲に1か所で十分効果が出ます。

もう一歩深めるならリレーテッドIIm7、ただし乱用は禁物

さらに応用として、セカンダリードミナントの前にIImを挿入する「リレーテッドIIm7」という手法があります。引力を持つ和音の手前に助走をつける形で、いきなり緊張させるのではなく、段階を踏んで盛り上げる作りになります。

ジャズやシティポップ寄りの響きにしたい場合に効きますが、ピアノで弾く難易度は上がります。和音が2つ増えるぶん切り替えが速くなるので、まずはテンポを落として、左手のルートの動きだけで流れを確認してから右手を足してください。

使いどころとしては、コード進行に微妙なニュアンスを加えたい場合、ジャズっぽくしたい場合が挙げられています。逆に言えば、素朴さや素直さを出したい曲では使わないほうがまとまります。

判断の目安は、その箇所で「引っかかり」が欲しいかどうかです。欲しくない場所に入れると、単に落ち着かない曲になります。

押さえられるのに曲に聞こえない人が止まっている3か所

定番進行を役割で分解すると、共通点と違いが見える

ここまでに出てきた3つの進行を、役割（T＝トニック／SD＝サブドミナント／D＝ドミナント）で分解して並べ直したのが次の表です。当サイト「ピアノと音楽の教科書」が、各出典に記載された進行とコード機能の定義をもとに独自に整理しました。

この表で見えてくるのは、3つとも「Vをどこに置くか」で性格が変わっているという点です。基本形はVの直後にIへ帰り、王道進行はVの後にIへ帰らず、カノン進行はVで終わって次のループへ渡す。緊張をどう処理するかが、進行の個性そのものになっています。

目的別に、最初に取り組む進行を変える

どの進行から手をつけるべきかは、何をしたいかで変わります。弾き語りをしたい人は、王道進行から入るのが実用的です。4つで完結してループできるので、伴奏として成立させやすく、歌に集中できます。

クラシックの譜面を読む人にとっては、基本形と機能の理解が先です。譜面にコードネームが書かれていなくても、和音の役割が読めれば、フレーズの区切りやカデンツの位置が見えてきます。暗譜や表現の方針を立てるときの手がかりになります。

作曲・編曲をしたい人は、カノン進行のように長い骨組みを扱えるようになると幅が出ます。4つのループだけで曲全体を作ると単調になりやすいので、8小節単位の起伏を1つ持っておくと構成が組みやすくなります。

子どものレッスンと並行して大人が独学する場合は、まずハ長調の7つを鍵盤上で押さえられる状態を目標にしてください。7つが手に入っていれば、上の3タイプどの方向へも進めます。

よくある疑問に、理屈から答える

3つの質問に共通しているのは、「始める前に全部そろえなくてよい」という点です。7つの和音と3つの役割、この2つが手元にあれば、残りは曲を弾きながら足していけます。

まとめ｜コード進行はピアノなら7つの和音から始めれば迷わない

コード進行が「曲に聞こえない」原因は、ほとんどの場合、指ではなく設計にあります。7つの和音を3つの役割に振り分けて、緊張と安定の往復として眺める。この見方に切り替えるだけで、譜面に並んだコードネームが意味を持ち始めます。王道進行もカノン進行も、その往復の組み方が違うだけで、特別な知識ではありません。

最初の一歩としておすすめしたいのは、ハ長調でI→IV→V→Iの4つを、左手ルート1音・右手和音の形で弾くことです。弾けたら4つ打ちのリズムに変え、次に王道進行のF→G→Em→Amへ差し替える。ここまで来れば、自分が好きな曲のコード譜を開いても、どこで緊張してどこで着地しているかが読み取れるようになっています。

なお、コード進行の呼び名や分類は解説する媒体によって表記が異なる場合があるため、気になる箇所は本文中で示した出典元の解説をあわせてご確認ください。