丸さコードの正体は4小節のセブンス進行｜主和音が鳴らない仕組みとピアノの弾き方

「丸さコード」で検索したものの、出てくるのは「丸サ進行」という言葉ばかりで、同じものなのか迷っていませんか。コード表を見るとFM7、E7、Am7と見慣れない記号が並び、ピアノで押さえてみても、聴き覚えのあるおしゃれな響きにならない。そんな壁に当たる人は少なくありません。

先に結論をお伝えします。「丸さコード」は、椎名林檎さんの「丸の内サディスティック」にちなんで名付けられた丸サ進行のことです。度数で書くとIVM7→III7→VIm7→Vm7→I7。キーCならFM7→E7→Am7→Gm7→C7の4小節をくり返します。この進行の面白さは、長調なのに主和音（ドミソ）が一度も鳴らないこと。そして、4つの音でできたセブンスコードで弾かなければ、あの浮遊感が出ないことにあります。

この記事では、名前の由来から、主和音なしで曲が成り立つ理論上の理由、3和音で弾くと「普通の曲」になってしまう原因、ピアノで無理なく弾くための段階的な手順、派生パターンやほかの定番進行との違いまで、音楽理論の仕組みから順番に解説します。楽譜が苦手な人でも音名で追えるように書いていますので、鍵盤の前で確かめながら読んでみてください。

丸さコード（丸サ進行）とは？4小節で回り続ける5つのセブンス

「丸さ」は「丸サ」のこと——検索語の正体

「丸さコード」は、コード進行の通称「丸サ進行」を耳で聞いて、ひらがなで入力した表記と考えてよいものです。「丸サ」は曲名「丸の内サディスティック」の略で、「丸さ」という形容詞とは関係がありません。コード進行には、よく使われる並びに曲名や愛称をつけて呼ぶ習慣があり、「カノン進行」「王道進行」と同じ仲間の呼び名です。

なぜこうした通称が生まれるかというと、コード進行は本来「度数（ディグリー）」という数字で表すもので、数字の羅列のままでは覚えにくいからです。「IVM7→III7→VIm7→Vm7→I7」と言われてもピンと来ませんが、「丸サ進行」と言えば、その響きを知っている人同士ならすぐに通じます。

検索で迷いやすいのは、同じ進行が「丸サ進行」「丸の内進行」「Just the Two of Us進行」「43651」など複数の名前で紹介されている点です。呼び名は違っても、指しているコードの並びは同じです。解説記事や動画を探すときは「丸サ進行」で調べると情報が見つかりやすく、海外の資料を当たるなら「Just the Two of Us progression」が手がかりになります。まずは「名前は複数、中身は1つ」と整理しておきましょう。

度数で書くとIVM7→III7→VIm7→Vm7→I7

丸サ進行の骨格は、IVM7→III7→VIm7→Vm7→I7という5つのコードです。数字だけ拾うと「4-3-6-5-1」となり、「43651」と呼ばれることもあります。キーCに当てはめると、FM7｜E7｜Am7｜Gm7→C7の4小節になります。最後の1小節だけ、2つのコードが半分ずつ入る点がポイントです。

度数で覚える利点は、キーが変わっても構造がそのまま使えることです。たとえばキーGなら、IVはC、IIIはB、VIはE、VはD、IはGなので、CM7→B7→Em7→Dm7→G7となります。曲ごとに別のコードを暗記するのではなく、「主音から数えて何番目か」を覚えておけば、どのキーでもこの進行を組み立てられます。

独学でつまずきやすいのは、IIIとIIIm、VとVmの違いを見落とすことです。キーCのダイアトニックコード（音階の音だけで作る和音）では、IIIはEm7、VはG7になります。ところが丸サ進行では、あえてE7（ソ♯を含む）とGm7（シ♭を含む）が使われます。この「音階から外れた音」が響きの秘密なので、コード表を読むときは「m」の有無を1つずつ確認するのが第一歩です。

キーCなら黒鍵は2種類だけで弾ける

キーCの丸サ進行で使う音を並べると、FM7はファ・ラ・ド・ミ、E7はミ・ソ♯・シ・レ、Am7はラ・ド・ミ・ソ、Gm7はソ・シ♭・レ・ファ、C7はド・ミ・ソ・シ♭です。黒鍵はソ♯とシ♭の2種類しか出てきません。セブンスコードが5つ並ぶと難しく見えますが、鍵盤上の移動は想像よりずっと少ないのです。

理由は、隣り合うコード同士で共通する音が多いからです。ミはFM7・E7・Am7・C7の4つに含まれ、ソはAm7・Gm7・C7の3つに含まれます。つまり、右手の1本の指をミやソに置いたまま、ほかの指だけ動かして次のコードへ移れる場面が何度もあります。この「共通音を残す」考え方は、あとで紹介する練習手順の土台になります。

譜読みでよくある失敗は、E7のソ♯を白鍵のソで弾いてしまうことです。ソで弾くとEm7になり、進行全体の緊張感が抜けて平凡に聞こえます。弾いてみて「なんだか違う」と感じたら、まずE7のソ♯とGm7・C7のシ♭が正しく黒鍵になっているかを確かめてください。この2音を正確に押さえられれば、キーCでの基本形はほぼ完成です。

聴いた印象が「明るいのに切ない」になる

丸サ進行の響きは、明るさと暗さの両方を少しずつ感じる、どっちつかずの雰囲気だとよく説明されます。切なさ、浮遊感、都会的なおしゃれさ。SNSでは「エモい」と表現されることも多い響きです。長調とも短調とも言い切れない、中間の色合いだと考えるとイメージしやすいでしょう。

この印象には理屈があります。出発点のFM7は長調の響きですが、3小節目のAm7は平行調であるイ短調の主和音にあたり、短調の色が差し込みます。さらに、7度の音が加わった4音の和音は、3音の和音より長調・短調の輪郭がやわらかくなります。明るい和音と暗い和音が交互に現れ、しかもその境界がぼやけているため、聴き手は「どちらとも決めきれない感情」を受け取るわけです。

この進行は16ビートとの相性がよく、ダンサブルなリズムに乗せる楽曲で多用されます。また、字数の多い細かなメロディになりやすい傾向があるとも指摘されています。自分で弾くときは、まず全音符でコードを鳴らして響きの変化を耳でつかみ、そのあとでリズムをつけると、「どこで明るく、どこで翳るのか」がはっきり聴き分けられます。

なぜ「丸の内」なのか？元祖曲と海外での呼び名

名前の由来は1999年の「丸の内サディスティック」

「丸サ進行」という呼び名は、椎名林檎さんの楽曲「丸の内サディスティック」から来ています。この曲は1999年2月24日発売のアルバム「無罪モラトリアム」に収録され、シングルカットはされていません。それでも、この曲の印象的なコード進行が広く知られ、日本ではこの並びを曲名の略で呼ぶ習慣が定着しました。

シングルではないアルバム曲の名前が進行の通称になった点は、少し意外かもしれません。背景には、この曲が発表後もライブや別編成で演奏され続け、多くのアレンジが生まれてきたことがあります。ピアノソロ、連弾、アンサンブルなど演奏形式も幅広く、初級から上級まで難易度の違う楽譜が流通しています。演奏される機会が多い曲ほど、「あの曲の進行」という共通言語になりやすいのです。

注意したいのは、「丸サ進行＝この曲のために作られた進行」ではないという点です。名前の由来と、進行そのものの起源は分けて考える必要があります。次の見出しで触れるように、同じコード進行はそれ以前から海外の楽曲で使われていました。「名付け親はこの曲、ルーツは別」と覚えておくと、解説記事の説明が食い違って見えても混乱しません。

世界ではJust the Two of Us進行と呼ばれる

丸サ進行の実質的なルーツは、グローヴァー・ワシントン・ジュニアの「Just the Two of Us」だとされています。ビル・ウィザーズがボーカルを担当した1980年代初頭の楽曲で、ジャズ・フュージョンの流れをくむサウンドです。世界的には、この進行は「Just the Two of Us進行」という名前で知られています。

なぜ日本と海外で呼び名が違うのかというと、進行の通称は「その地域で一番よく知られた使用曲」から付くことが多いからです。海外ではこの原曲がポップス、ジャズ、R&Bで参照される代表例になり、日本では椎名林檎さんの曲を通じて広まったため「丸サ」の名が定着しました。同じ和音の並びに、文化圏ごとの「看板曲」があるわけです。

独学者がつまずきやすいのは、海外の資料と日本の資料でコード表記が微妙に違う点です。原曲の進行はFmaj7→E7→Am7→C7のように、Gm7を挟まない形で紹介されることがあります。これは誤りではなく、後で紹介する派生パターンの一種と考えられます。資料を比べるときは、「IVM7→III7→VIm7」の3つが共通しているかを確認し、最後の小節の細部は曲ごとの違いとして扱うと整理しやすくなります。

同じ進行がJ-POPで使われ続ける理由

丸サ進行は1999年以降も、現代のJ-POPでくり返し使われています。YOASOBIの「夜に駆ける」（2019年）や「アイドル」（2023年）が使用例としてよく挙げられ、世代を超えて定番の進行になっていることがわかります。

使われ続ける理由は、進行そのものが「終わらない」構造を持っているからです。多くのコード進行は主和音に戻って一区切りつきますが、丸サ進行は主和音を通らないため、4小節が終わっても次の周回へ自然につながります。サビでくり返しても区切りがつかず、聴き手の気持ちを途切れさせない。歌もののサビや、ループを多用するダンスミュージックと相性がよいのはこのためです。

一方で、定番になったがゆえの注意点もあります。この進行をそのまま4小節くり返すだけでは、「どこかで聴いた感じ」が強く出やすいのです。作曲や編曲で使うなら、リズムの細かさ、ベースの動き、メロディの字数といった要素で個性を出す必要があります。ピアノ演奏でも、同じコードでも右手の音の並べ方（ボイシング）を変えるだけで印象が変わるので、後半の練習手順で試してみてください。

主和音が一度も鳴らないのに曲が成立するのはなぜ？

最後のC7は「ド」から始まるのに主和音ではない

丸サ進行の最大の特徴は、トニック（主和音）が出てこないことです。キーCの長調なら、普通はCやCM7が曲の「帰る場所」として現れます。ところがこの進行では、最後にC7が出てくるものの、これは主和音の役割を果たしていません。

理由は、C7に含まれるシ♭にあります。ハ長調の主和音CM7はド・ミ・ソ・シで、シは主音ドへ半音で上がりたがる音です。一方C7のシ♭は、ハ長調の音階にない音で、ラへ半音で下がりたがります。つまりC7は「ドの上に立つ和音」でありながら、ヘ長調のドミナント（V7）として、次のFM7へ向かう推進力を持っているのです。直前のGm7も含めると、Gm7→C7→FM7はヘ長調のIIm7→V7→IM7という、ジャズで基本となる「ツーファイブ」の形になっています。

独学でありがちな誤解は、「最後がCだから曲が終わった感じがするはず」と考えることです。実際に弾くと、C7で止めると宙ぶらりんに聞こえます。これが正しい聞こえ方です。確認のために、C7の代わりにCM7で止めてみてください。シ♭をシに変えただけで落ち着く感覚が生まれ、C7が「次へ進むための和音」だったことが耳で実感できます。

E7のソ♯がAm7を呼び寄せる——平行調への寄り道

2小節目のE7は、3小節目のAm7へ向かうための和音です。丸サ進行はサブドミナントのFM7から始まり、平行調のイ短調（Am）に一時的に転調する構造を持っています。

仕組みはこうです。イ短調でドミナントにあたるのはE7で、その中のソ♯は主音ラの半音下にある「導音」です。導音は半音上の主音へ強く引っ張られるため、E7が鳴るとAm7への着地が予感されます。ハ長調の音階だけで作るならEm7（ミ・ソ・シ・レ）ですが、ソをソ♯に変えることで、Am7への引力が一気に強まるのです。このように、一時的に別のキーのドミナントを借りる和音を「セカンダリー・ドミナント」と呼びます。

ハ長調とイ短調は調号がどちらも「なし」の平行調なので、使う音はほぼ共通しています。だからこそ、ソ♯という1音の変化だけで、長調から短調へ滑らかに色が変わります。耳で確かめるなら、FM7→E7→Am7の3つを、E7だけEm7に差し替えて弾き比べるのが効果的です。Em7版は穏やかに流れ、E7版はAm7に着いた瞬間に「翳り」が生まれる。この差が丸サ進行の切なさの正体です。

実は響きの核は「キー外の2音」にある

丸サ進行というと「セブンスコードの進行」と説明されがちですが、意外と知られていないのは、響きの性格を決めているのがソ♯とシ♭という、ハ長調の音階にない2つの音だという点です。5つのコードのうち、音階外の音を含むのはE7・Gm7・C7の3つだけ。そしてその外れ方は、ソ♯とシ♭の2種類に集約されます。

この2音は、進む方向が正反対です。ソ♯は半音上のラへ上がりたがり、Am7（短調側）への引力を生みます。シ♭は半音下のラへ下がりたがり、FM7（長調側）への引力を生みます。どちらも行き先は「ラ」ですが、一方は短調の世界へ、もう一方は長調の出発点へ導く。1周4小節の中で、この上向きと下向きの引力が交互に働くため、進行は長調と短調のあいだを振り子のように往復し続けます。

この視点を持つと、耳コピや移調が格段に楽になります。別のキーの丸サ進行を探すときも、「III7の導音」と「Vm7・I7に含まれる短7度」の2か所を見つければ構造がつかめるからです。練習では、コードを弾く前にソ♯とシ♭だけを交互に鳴らし、それぞれがラへ解決する動きを確認してみてください。コードの暗記ではなく、音の「行きたい方向」で進行を理解できるようになります。

終止しないから無限ループできる

丸サ進行には終止感がなく、「続いていく感じ」が生まれます。4小節を何周くり返しても不自然にならないのは、主和音で一度も着地しないからです。

音楽の「終わった感じ」は、主にドミナント（V7）から主和音（I）への解決で生まれます。ハ長調ならG7→Cです。丸サ進行にはこの組み合わせが含まれていません。E7→Am7は短調側への解決、C7→FM7はヘ長調側への解決で、どちらも「ハ長調として完全に終わる」解決ではないのです。解決はしているのに終わらない。この性質が、ループ前提の構成に向いている理由です。

曲の中で丸サ進行を使う場合、終わらせたいところでは別の進行を用意するのが一般的です。たとえば、最後の周回だけGm7→C7の代わりにハ長調のドミナントへ向かい、主和音で閉じるといった処理が考えられます。ピアノで練習するときも、4小節だけ弾いて止めると「中途半端な終わり方」になりますが、それは失敗ではありません。区切りの悪さこそが進行の性格だと理解したうえで、2周・4周と続けて弾き、流れの中で響きを味わうのがおすすめです。

3和音で弾くと「普通の曲」になってしまう理由

7度の音が長調と短調の境界をぼかす

丸サ進行は、トライアド（3音の和音）では独特の雰囲気が出ず、7th系の4音の和音で弾く必要があります。コード表の「M7」「7」「m7」を省略して、F・E・Am・Gm・Cで弾くと、ずっと素朴な響きになってしまうのです。

なぜ4音目がそれほど重要なのか。3音の和音は、根音・3度・5度でできていて、3度が長3度なら明るく、短3度なら暗く聞こえます。ここに7度を加えると、和音の中に別の3和音が重なった状態になります。たとえばFM7（ファ・ラ・ド・ミ）の上の3音はラ・ド・ミで、これはAmそのものです。Am7（ラ・ド・ミ・ソ）の上の3音ド・ミ・ソはCです。つまりFM7は「Fの中にAmが隠れている」、Am7は「Amの中にCが隠れている」状態で、長調と短調の色が1つの和音の中で混ざり合うのです。

この「混ざり」が、丸サ進行の明るいとも暗いとも言えない雰囲気を生みます。3和音だけで弾くと、FとAmがはっきり明暗に分かれてしまい、境界のぼやけた感じが失われます。コードの響きに違和感を覚えたら、まず4音目を省略していないかを確認しましょう。

FM7とF、Am7とAmで弾き比べると差がわかる

理屈がわかったら、耳で確認するのが最短です。FとFM7、AmとAm7を交互に弾き比べると、4音目の役割がはっきり聴き取れます。

Fはファ・ラ・ドで、明るく安定した響きです。そこにミを加えたFM7は、明るさの中に少し影が差し、どこか遠くを見ているような響きになります。これはミがファの半音下で、ファとぶつかり合う長7度の音程を作るからです。長7度は、半音違いの音が離れて鳴っている状態なので、濁りすぎず、でも安定しきらない独特の緊張を持ちます。一方、Am（ラ・ド・ミ）にソを足したAm7は、暗さが和らぎ、少しくつろいだ響きに変わります。

比べるときのコツは、4音をばらばらに弾かず、同時に鳴らしてから、4音目だけ指を離して聴くことです。ペダルは使わず、鍵盤を押さえたまま1音だけ上げれば、響きの変化が純粋に聴こえます。E7についても、ミ・ソ♯・シだけのEと、レを加えたE7を比べてみてください。E7にするとAm7へ進みたい感じが強まり、ドミナントとしての引力が増すのがわかるはずです。

失敗パターン1：ソ♯やシ♭を見落として「平凡な進行」になる

丸サ進行を弾いたのに、聴き覚えのある響きにならない。独学で多い原因の1つが、音階外の音を白鍵で弾いてしまう読み違いです。

具体的には、E7をEm7（ミ・ソ・シ・レ）、Gm7をG7（ソ・シ・レ・ファ）、C7をCM7（ド・ミ・ソ・シ）として弾いてしまうケースです。こうすると全部のコードがハ長調の音階に収まり、FM7→Em7→Am7→G7→CM7という、ごく穏やかな進行になります。響きはきれいですが、切なさや浮遊感はほとんど消え、しかも最後がCM7なので終わった感じまで出てしまいます。原因は、コードネームの「m」の有無や「M」の大文字小文字を読み飛ばすことにあります。

対策は、弾き始める前にコードごとの「黒鍵チェック」をすることです。キーCでは、E7にソ♯、Gm7とC7にシ♭が入ることを先に確認し、鍵盤上で指を置いてから弾き始めます。弾いたあとに違和感があれば、この3つのコードだけを抜き出して1つずつ構成音を確かめてください。3和音で済ませてしまう失敗と合わせて、「4音で弾いているか」「黒鍵が入っているか」の2点をセットで点検すると、原因をすばやく絞り込めます。

9thを足すと都会的な質感が増す

4音のセブンスコードで基本の響きがつかめたら、次の段階がテンションです。丸サ進行の響きの核にはセブンスコードとテンション音があり、9thや13thを加えると、より洗練された質感になります。

9thは根音の9度上、つまり1オクターブ上の2度の音です。FM7にソを足すとFM7(9)、Am7にシを足すとAm7(9)になります。9thは和音の構成音から全音離れた位置に入るため、響きに適度な厚みと広がりが生まれます。13thは根音の13度上、1オクターブ上の6度の音で、C7にラを足すとC7(13)になります。これは次のFM7に含まれるラを先取りする形になり、つながりがより滑らかになります。

ただし、テンションは足せば足すほどよいわけではありません。音が増えると指の負担が大きくなり、低い音域で重ねると濁りやすくなります。まずは4音のセブンスコードを正確に弾けることが前提です。テンションは右手の上の方で1音だけ加えるところから始め、「響きが濁っていないか」「メロディとぶつかっていないか」を耳で確認しながら増やしていくのが安全な進め方です。

丸さコードをピアノで弾く4段階の練習手順

第1段階：左手はルート音を単音で弾く

初心者がいきなり両手でセブンスコードを押さえようとすると、コードの多さに戸惑いやすくなります。最初は、左手でコードのルート音（ファ→ミ→ラ→ソ→ド）を単音で弾き、右手で和音を押さえる方法から始めるのが効果的です。

なぜ左手を単音にするのか。左手が大きく動かず手の形で覚えられるため、左手の負担が減るからです。負担が減った分、注意を右手の和音と響きの変化に向けられます。さらに、ベースラインの動き自体に意味があります。ファ→ミは半音下がり、ミ→ラは4度上がり（5度下がり）、ラ→ソは全音下がり、ソ→ドは4度上がって、再びファへ4度上がる。4度上がる動きは、ドミナントから解決先へ進むときの典型的なベースの動きで、E7→Am7、Gm7→C7→FM7がまさにその形です。

練習では、まず左手だけでファ・ミ・ラ・ソ・ドを1周4小節で弾き、ベースラインを口ずさめるくらいに覚えます。最後の小節はソとドが半分ずつになる点に注意してください。この段階で「これでOK」と言える目安は、鍵盤を見ずに左手のルートが迷わず出てくることです。ここが安定すると、右手に集中する余裕が生まれます。

第2段階：右手は共通音を残して和音をつなぐ

右手は、各コードからルートを除いた3音（3度・5度・7度）を押さえます。左手がルートを担当しているので、右手でルートを重ねる必要はありません。キーCでは、FM7はラ・ド・ミ、E7はソ♯・シ・レ、Am7はド・ミ・ソ、Gm7はシ♭・レ・ファ、C7はミ・ソ・シ♭となります。

ここで効いてくるのが共通音です。FM7のミはAm7にもC7にも含まれ、Am7のソはC7にも含まれます。和音を毎回同じ形で持ち上げて移動するのではなく、残せる音は指を置いたまま、動く音だけを近い位置へずらす。こうすると手の移動が小さくなり、響きのつながりも滑らかになります。たとえばE7のソ♯からAm7のラへは半音、C7のシ♭からFM7のラへも半音で、指1本分ずつの移動で済みます。

右手の3音は、転回形（音の積み方の順番）を工夫して、ドの付近からソの付近までの狭い範囲に収めるのがコツです。高い音域に跳ぶと響きが軽くなり、低すぎると左手と重なって濁ります。1周を途切れず弾けるようになったら、左手のルートを加えて両手で合わせましょう。テンポはゆっくり、コードが変わる瞬間に音が途切れないことを最優先にします。

失敗パターン2：左手で和音を詰め込み、ペダルで濁らせる

右手に慣れてきた頃に起きやすいのが、左手の低い音域で4音の和音をまるごと押さえ、さらにダンパーペダルを踏みっぱなしにして、響きが団子状に濁ってしまう失敗です。

原因は、低音域の性質にあります。ピアノの低い音は倍音が多く、音同士の間隔が狭いと干渉してうなりが生じやすくなります。ファ・ラ・ド・ミを中央ドより下の低い位置で密集させると、3度の重なりが濁りとして聞こえるのです。そこへペダルを踏み続けると、前のコードの音が消えないまま次のコードが重なり、E7のソ♯とAm7のソ、Gm7のシ♭とFM7のシ（には含まれませんが前のC7の残響）などがぶつかって、進行の輪郭が失われます。

対策は2つです。1つ目は、左手はルート単音、またはルートと5度（FM7ならファとド）の間隔の広い形にとどめること。3度や7度の音は右手の中音域に任せます。2つ目は、ペダルをコードが変わるたびに踏み替えることです。ペダルは各コード間の響きをコントロールして浮遊感を演出するための道具で、踏みっぱなしにする道具ではありません。新しいコードを弾いた直後にいったん上げて踏み直す「後踏み」を意識すると、つながりを保ったまま濁りを防げます。

第4段階：16ビートの刻みで「曲らしさ」を出す

全音符で4音のコードが滑らかにつながったら、最後にリズムをつけます。丸サ進行は16ビートとの相性がよい進行なので、細かい刻みを入れると一気に「曲らしく」聞こえます。

16ビートは、1拍を4つに分けた16分音符を単位にしたリズムです。いきなり細かく刻むと指が追いつかないので、まず右手を8分音符で刻み、左手は小節の頭でルートを伸ばす形から始めます。慣れたら、右手の刻みの一部を裏拍（拍と拍のあいだ）に移し、拍の頭をあえて空ける。この「拍の頭を外す」感覚が、ダンサブルなノリの正体です。強拍と弱拍の入れ替わりを意識的に作るので、シンコペーションの理解があると飲み込みが早くなります。

注意点は、テンポを上げる順番です。コードの押さえ替えが遅れているのに刻みを細かくすると、リズムが崩れて響きもあいまいになります。「コード変更の瞬間に音が途切れない」ことを確認してからテンポを少しずつ上げましょう。ここまでできれば、丸サ進行を使った楽曲の伴奏やアレンジ譜にも取りかかれる土台が整っています。

派生パターンは「どこを変えたか」で読み解く

1小節2コードを倍に伸ばした8小節型

丸サ進行には、基本形に加えて無数の派生パターンがあります。もっともシンプルなのが、基本形で1小節に2つのコードが入っているところを、単純に倍の長さに伸ばした形です。

基本形はFM7｜E7｜Am7｜Gm7-C7の4小節で、最後だけコードの切り替えが速くなっています。これを全体に倍の長さにすると、FM7｜FM7｜E7｜E7｜Am7｜Am7｜Gm7｜C7のような8小節の流れになります。コードが変わる間隔が広がるので、1つひとつの響きをじっくり聴かせられ、ゆったりしたテンポのバラードや、メロディを長く伸ばしたい場面に向きます。逆に、テンポの速い曲で使うと、コードの変化が遅く感じられて間延びする場合があります。

練習の観点では、この8小節型は初心者の入口として優れています。最後の小節で2つのコードを急いで押さえ替える必要がなくなるため、指の準備に時間をかけられるからです。基本形でGm7→C7の切り替えが間に合わないと感じたら、いったん8小節型で両手の動きを固め、慣れてから4小節型に戻すという順番をとると、無理なく上達できます。

Vm7を省いた形とE7/G♯でベースを動かす形

2つ目の派生は、Vm7（キーCならGm7）を置かないパターンです。3つ目は、2つ目のコードIII7を展開してIII7/♯V、キーCならE7/G♯にしたパターンです。

Vm7を省くと、Am7から直接I7（C7）へ進みます。Gm7→C7のツーファイブが崩れるので、FM7へ戻る準備がやや唐突になり、そのぶん進行が簡潔に聞こえます。先に触れた「Just the Two of Us」の進行がFmaj7→E7→Am7→C7と紹介されることがあるのは、この形にあたります。コード数が1つ減るので、ピアノでは押さえ替えの負担も軽くなります。

E7/G♯は、スラッシュの右側（ソ♯）をベース音にする書き方で、E7の構成音はそのままに、最低音だけをソ♯に変えます。すると左手のベースラインはファ→ソ♯→ラと、ほぼ半音ずつせり上がる形になります。ルートのミから4度上のラへ跳ぶ基本形に比べ、ベースが滑らかにつながり、上昇していく推進力が生まれます。左手でソ♯を弾くときは、右手の和音にソ♯を重ねない（ミ・シ・レを押さえる）ほうが、濁らずすっきり聞こえます。

最後をII7にする形は「行き先」が変わる

4つ目の派生は、最後のコードをII7にしたパターンです。キーCならD7にあたり、レ・ファ♯・ラ・ドで構成されます。

基本形の最後にあるI7（C7）は、シ♭を含み、FM7へ戻る引力を持っていました。II7（D7）に置き換えると、含まれる音階外の音はファ♯になります。ファ♯は半音上のソへ向かいたがる音なので、進行の行き先が変わり、次の周回へ戻るときの手触りも変化します。同じ4小節のループでも、最後の1つを差し替えるだけで、戻り方の印象を変えられるわけです。

このように派生パターンは、作曲の初期段階で「曲のコア」を決める骨格として役立ち、4小節という短いスパンで感情の起伏を作れる点が評価されています。読み解くときのコツは、全部を別物として暗記しないことです。「長さを変えたのか」「コードを抜いたのか」「ベースを変えたのか」「最後の行き先を変えたのか」の4つの観点で、基本形との差を見ていけば、初めて見る派生形でも構造がすぐにつかめます。

王道進行・カノン進行とどこが違う？

丸サ進行とよく比べられるのが、王道進行とカノン進行です。どれもJ-POPで定番の進行ですが、始まり方と「帰る場所」の扱いがまったく違います。

王道進行はIVM7→V7→IIIm7→VIm（キーCならFM7→G7→Em7→Am）が代表的な形です。丸サ進行と同じくIVM7から始まり、VIm系へ向かう点は似ています。違いは2つ目と3つ目で、王道進行はV7→IIIm7と音階内の和音でつなぐのに対し、丸サ進行はIII7というソ♯を含む和音でAm7を強く呼び込みます。そのため丸サ進行のほうが、短調へ入る瞬間の翳りが濃く出ます。

カノン進行は、I→V→VIm→IIIm→IV→I→IV→Vのように主和音から始まり、ベースが順次下がっていく構造です。主和音で始まるので安定感があり、帰る場所がはっきりしています。主和音を一度も通らない丸サ進行とは、性格が対照的です。安心感や温かさを出したいならカノン進行、浮遊感や切なさを出したいなら丸サ進行、と響きの目的で選び分けると理解しやすいでしょう。

使われている曲とタイプ別の活かし方

例に挙がりやすい4曲と聴き取りのコツ

丸サ進行の使用例として、よく名前が挙がる邦楽には次のような曲があります。YOASOBIの「夜に駆ける」（2019年）と「アイドル」（2023年）、あいみょんの「愛を伝えたいだとか」、MISIAの「つつみ込むように…」です。

「夜に駆ける」はYOASOBIのデビュー作で、小説投稿サイトに掲載された小説を原作としています。丸サ進行の切なさと都会的な響きを活かした曲として紹介されることが多く、現代のJ-POPでこの進行が使われる象徴的な例になりました。「つつみ込むように…」は、R&B系の洗練された歌唱と丸サ進行の組み合わせの例として挙げられます。ジャンルも年代も異なる曲で同じ進行が使われていること自体が、この進行の汎用性を示しています。

聴き取りで注意したいのは、曲全体がずっと丸サ進行というわけではない点です。サビや特定の区間だけで使われていたり、派生パターンの形になっていたりすることがあります。耳で確かめるときは、キーを特定したうえで、ベースラインが「IV→III→VI→V→I」の順に動いているかを追うのが近道です。ベースの動きがつかめれば、上に乗るコードの種類は後から当てはめられます。

楽譜はどう手に入れる？

丸サ進行を使った曲をピアノで弾きたい場合、楽譜は出版社の公式商品や、ぷりんと楽譜などの公式販売元から入手するのが基本です。「丸の内サディスティック」は、ピアノソロ、連弾、アンサンブルなど複数の形式で、初級から上級まで難易度の違う楽譜が提供されています。

難易度によって内容は大きく変わります。初級向けには歌詞とドレミ（音名）が入っているものがあり、読譜に不安がある人でも取りかかりやすくなっています。中級になると16分音符をシャッフルさせながら演奏し、臨時記号も多くなります。上級には複雑な編成で数ページにわたるものもあります。臨時記号が多いのは、この記事で見てきたソ♯やシ♭のような音階外の音が頻繁に出てくるためで、進行の構造を理解していると譜読みがぐっと楽になります。

楽譜を選ぶときのつまずきは、「好きな曲だから」と上級版を選んでしまうことです。いきなり上級版に挑むと、臨時記号とリズムの両方で詰まりやすくなります。まずは本記事の手順で基本形を4小節ループで弾けるようにし、そのうえで初級版か中級版を選ぶと、コードの構造と楽譜の音が結びつきやすくなります。販売ページの試し読みで、臨時記号の量とリズムの細かさを確認してから選びましょう。

大人の独学・弾き語り・作曲志望で入口が変わる

丸サ進行の学び方は、ピアノで何をしたいかによって入口が変わります。自分のタイプに合わせて、最初に取り組む内容を選びましょう。

クラシック経験のある大人の再開組は、楽譜は読めてもコードネームに慣れていないことが多いタイプです。まず構成音表を見ながら、5つのコードを音名で確認し、ソ♯とシ♭の役割を理屈で押さえると、既存の読譜力と結びつきます。弾き語りをしたい人は、歌いながら弾くので左手の負担を減らすことが最優先です。左手ルート単音、右手3音の分担を固定し、右手のリズムを8分音符から始めると歌に集中できます。

作曲や耳コピに興味がある人は、派生パターンの4つの観点を使い、基本形のどこを変えるとどう聞こえるかを試すのが近道です。E7をEm7に戻す、最後をII7に変えるといった1か所の差し替えで、響きの変化を耳で確かめられます。反対に、ピアノを始めたばかりで両手の協調がまだ難しい人には、丸サ進行は最初の1曲として負荷が高めです。その場合は3和音の基本コードで両手に慣れてから、7度を足す段階へ進むほうが遠回りに見えて確実です。

まとめ

最初の一歩は、キーCでFM7とE7とAm7の3つだけを、左手ルート・右手3音でゆっくり行き来してみることです。E7のソ♯がAm7のラへ半音で上がる瞬間に、明るさから切なさへ色が変わるのを耳で確かめてください。その変化が聴き取れたら、Gm7→C7を足して4小節のループを完成させ、2周・4周と途切れずに回せるところを目指しましょう。仕組みを理解したうえで弾くと、同じ進行を使った曲の楽譜も、臨時記号の意味がわかる状態で読めるようになります。

※楽曲の情報は記事執筆時点で確認できた公開情報に基づいています。